Viele Jahrhunderte lang kämpfte die Malerei als Disziplin darum, ihre Adelstitel zu erlangen. Es wird als zweitrangige Disziplin wahrgenommen, die mehr mit Handwerk verbunden ist als Bildende Kunst.
Während der Renaissance mobilisierten die Maler unermüdlich, damit die Malerei als eine Arbeit des Geistes wahrgenommen wurde und endlich die Hierarchie erklimmen konnte, die die Künste klassifiziert. Andere literarische Disziplinen gelten jedoch als spirituell. Literatur wird daher wegen ihrer intellektuellen Qualitäten, die niemand in Frage stellt, hoch geschätzt.
In ihrem Bemühen, den edlen Charakter ihrer Kunst zu behaupten, versuchen Maler zu zeigen, wie Malerei und Literatur liegen nah beieinander, so dass der in der Literatur anerkannte Adel auf die Malerei abfärbt. Dann mobilisieren sie eine uralte Lehre : Ut Pictura Poesis. Das Sprichwort wird vom lateinischen Dichter Horaz in seinem angegeben poetische Kunst (XNUMX. Jahrhundert v. Chr.). Durch den Vergleich von Malerei und Poesie etabliert er die kraftvolle Idee eines Kontinuums zwischen den bildnerischen und literarischen Disziplinen.
Die Formel, oft übersetzt als „ Dasselbe gilt für Malerei und Literatur. “ markiert die Schöpfer für Jahrhunderte von Jahrhunderten. Die Idee einer Durchlässigkeit der Künste untereinander durchzieht die Generationen, bis sie von wiedergeborenen Künstlern auf der Suche nach Legitimität ausgenutzt wird. Sie reaktivieren daher das horatische Sprichwort in der Hoffnung, dass der Glanz der Literatur auf die Malerei ausstrahlt.
Die Anerkennung all dieser Durchlässigkeit der Künste hebt die Grenzen zwischen Praktiken auf. Mehr noch, was hier auf dem Spiel steht, ist die Möglichkeit von konfrontieren diametral entgegengesetzte Künste.
Wie Gotthold Ephraim Lessing in Laokoon oder die Grenzen von Malerei und Poesie (1766) theoretisiert, besteht die große Kluft zwischen Malerei und Literatur darin, dass die bildende Kunst eine Raumkunst ist, während die Literatur eine Kunstzeit ist. Die Malerei spielt mit der Gleichzeitigkeit – sie gibt dem Betrachter augenblicklich alles zu sehen –, wenn die Literatur die Diachronie nutzt, indem sie sich im Miteinander offenbart.
Wenn zwei so weit voneinander entfernte Praktiken systematisch zusammengebracht werden, dann kann die Durchlässigkeit der Künste leicht über den Bereich der Malerei und Poesie hinausgehen und für jede künstlerische Disziplin gelten. Viele Künstler der Bildenden Kunst interessieren sich für Tanz. Die Begeisterung einer Disziplin für die andere ist schnell erklärt.
Beim Tanzen oder Malen geht es vor allem darum, ein Gefühl, eine Emotion oder eine Idee auszudrücken. Der Hauptunterschied liegt in den Ausdruckssystemen der Disziplinen. Wenn die figurative Malerei natürliche Zeichen verwendet, um die Natur direkt nachzuahmen, greift der Tanz auf willkürliche Zeichen und Konventionen zurück. Wie Nathalie Kremer und Edward Nye zu Recht betonen,1KREMER N. und NYE E., Literatur, Malerei und Tanz im XNUMX. und XNUMX. Jahrhundert? Studientag an der Sorbonne Nouvelle University – Paris 3, 22. Mai 2017 Diese gegenseitige Anziehungskraft einer Praxis für die andere wirft Fragen einer ästhetischen Ordnung auf, die sich auf die Darstellung von Emotionen bezieht, aber auch einer generischen Ordnung, wenn die Bezüge interkünstlerisch werden, oder sogar einer poetischen Ordnung, wenn wir die Komposition betrachten.
Auf generischer Ebene wurden beispielsweise die Grenzen zwischen Malerei und Tanz im XNUMX. Jahrhundert viel dünner. Tatsächlich drängt sich die High Society regelmäßig in den Gängen der Oper, die zu besuchen in Mode ist. Die Künstler entgehen diesem Treffen nicht, das es ihnen ermöglicht, die Aufführungen zu besuchen, an den Maskenbällen teilzunehmen, Inspiration zu finden und ihre Beziehungskreise zu pflegen.2Gabriella ASARO, „Degas and the Celebration of female dance at the Opera“, Geschichte durch Bilder [online], konsultiert am 28. Juli 2021. URL: http://histoire-image.org/fr/etudes/degas-celebration-danse-feminine-opera Unter diesen Künstlern sind die Maler Edgar Degas ist bei weitem derjenige, der für dieses Thema der Repräsentation am hartnäckigsten sein wird. Zwischen den 1860er und 1890er Jahren beschäftigte er sich unermüdlich mit dem Thema des Tänzers, bis Edouard Manet ihm den Begriff „Tänzermaler“ gab.3MANET E., Brief an Fantin-Latour, 1868
In der ersten Hälfte dieser Zeit beobachtete Degas seine Modelle nicht im Palais Garnier, das erst 1875 eingeweiht wurde, sondern im Theater in der Rue Le Peletier. Er begnügt sich nicht mit dem Besuch der Aufführungen, sondern kommt auch, um den Unterricht zu beobachten und die Tänzer hinter der Bühne oder im Foyer des Tanzes zu treffen, für den er seine Zulassung ausgehandelt hat.4Gabriella ASARO, Op.Cit.
Es ist daher nicht nur die Pracht von die Feier auf der Bühne Aber ihre Arbeitsgewohnheiten, ihr tägliches Leben und ihre Momente der Ruhe, die seine Aufmerksamkeit fesseln. So besucht er den Kurs des Ballettmeisters Jules Perot, aus dem er das Thema schöpft Der Tanzkurs (Öl auf Leinwand, 85.5 x 75 cm, Paris, Musée d'Orsay, 1873 – 1876). Er wählt den Moment der Entspannung für die Tänzer, die sich nach dem Tanzkurs strecken, die Haare kämmen oder ihr Outfit ordnen. Zerstreut lauschen sie ihrem Tanzmeister, der einzigen männlichen Präsenz auf der Leinwand, der trotz Unterrichtsende seine ganze Ernsthaftigkeit bewahrt und sich mit beiden Händen auf seinen Stock stützt. Degas interessiert sich speziell fürTänzer trainieren. Es friert das Bild ihrer entspannten Körper und natürlichen Gesten ein.5MUSEE D'ORSAY, Die Tanzklasse, Edgar Degas, Arbeitsmitteilung [online], konsultiert am 27. Juli 2021. URL: https://www.musee-orsay.fr/fr/oeuvres/la-classe-de-danse-1151
Vertraut mit ihrem Leben auch außerhalb der Bühnenbretter, es ist eine Hommage an ihre harte Arbeit, die unter der scheinbaren Einfachheit der Bewegungen während der Shows verschwindet. Degas findet sich als Künstler vielleicht in diesen Alter Egos wieder, deren harte Arbeit darauf abzielt, die bestmögliche Endleistung zu erbringen. Die Arbeit des Künstlers, ob Tänzer oder Maler, erscheint dann als zusätzlicher Knotenpunkt zwischen den beiden Disziplinen, der das Interesse des Malers an der Praxis des Balletts rechtfertigt. Tatsächlich zeigten von den Hunderten von Leinwänden, die Degas gespendet hatte, nur sehr wenige den Ruhm von Ballerinas. Dies tut er jedoch in Ende der Arabeske (Öl auf Leinwand, 67.4 x 38 cm, Paris, Musée d'Orsay, 1876). Einen Blumenstrauß in der rechten Hand bedankt sich die Tänzerin in Arabeske bei ihrem Publikum, obwohl die ungeordnete Gruppe im Hintergrund vermuten lässt, dass es sich nur um eine Probe auf der Bühne handeln könnte.6Gabriella ASARO, op. cit.,
Diese beiden Arbeiten zeugen von Degas' allgemeiner Einstellung zum Tanz. Ihre Vision umfasst alle Episoden des Lebens der Tänzerin, die sie in seiner Gesamtheit umfasst. Darin liegt das seine Malerei transkribiert die strukturierenden Phänomene der Tanzpraxis im neunzehnten Jahrhundert. Die Tatsache, dass Degas sich so für Tänzer und nicht für Tänzer interessierte, ist zum Beispiel sehr aufschlussreich für ein allgemeineres soziales Phänomen. Im XNUMX. Jahrhundert sind die Männer, die im XNUMX. Jahrhundert in Mode waren, sowohl beim Publikum als auch bei den Operndirektoren weniger beliebt.. Auf der Bühne übernehmen die jungen Tänzer im Wesentlichen Nebenrollen oder fungieren als Träger für die Tänzer, auf die die Scheinwerfer gerichtet sind.7Gabriella ASARO, ebenda.
Neben den Tafeln der Oper entwickelt sich auch die Tanzpraxis. Es wurde immer beliebter, als Kabaretts, Bälle und Café-Konzerte eröffnet wurden. Wenn die Hauptstadt in Europa glänzt, dann auch wegen des festlichen Charakters ihrer Pariser Nächte. Künstler und Kleinbürger trafen sich dann im 1847 erbauten Bal Bullier an der Avenue de Montparnasse oder später an der Rote Mühle, 1889 in Montmartre eingeweiht.8Alexandre SUMPF, "The barrack of La Goulue and the Bullier ball", Histoire par l'image [online], eingesehen am 29. Juli 2021. URL: http://histoire-image.org/fr/etudes/baraque-goulue-bal-bullier Da tanzen wir der Tratsch, dessen Mode nicht ohne Zusammenhang mit seiner weiten Verbreitung über Plakate in der Stadt steht. Das erste Toulouse-Lautrec-Plakat (170 x 130 cm, Albi, Toulouse-Lautrec-Museum) wurde vom Direktor des Moulin-Rouge, Zidler, bei ihm in Auftrag gegeben.9TOULOUSE-LAUTREC MUSEUM, La Goulue, Arbeitsmitteilung [online], konsultiert am 29. Juli 2021. URL: http://www.musee-toulouse-lautrec.com/fr/la-goulue Wir sehen dort Louise Weber, besser bekannt unter ihrem Künstlernamen La Goulue, berühmte Initiatorin des Cancan, erkennbar an ihren Rüschenunterröcken. Sein Ruf erlaubt es ihm, an allen wichtigen Orten des Pariser Lebens aufzutreten, wie zum Beispiel in der Moulin de la Galette.
Dieser andere festliche Ort im Paris des späten XNUMX. Jahrhunderts wurde auch von vielen Künstlern wie Steinlein, Van Gogh und Renoir bevorzugt. Letzterer überträgt die leichte und fröhliche Atmosphäre in seine Leinwand Bal de la Galette Mühle (Öl auf Leinwand, 131 x 176 cm, Paris, Musée d'Orsay). In einer impressionistischen Behandlung gibt er mit kleinen, schnellen, lebendigen und farbenfrohen Akzenten die festliche Atmosphäre der Orte wieder, an denen sich seine Freunde und anonymen Tänzer treffen. Diese Darstellung einer Menschenmenge steht nicht im Wege Renoir um eine solide Komposition zu entwerfen, die um eine lange Diagonale herum strukturiert ist, die Vorder- und Hintergrund trennt und den Tanzraum hervorhebt. Die Art und Weise, wie sich einige der Paare umarmen, erinnert an das Duo, das er verehrt Tanzen Sie auf dem Land (Öl auf Leinwand, 180 x 90 cm, Paris, Musée d'Orsay). Diese gegen die guten Sitten der Zeit gerichtete Zusammenführung der Tänzer offenbart die strukturierende Bewegung der Gesellschaft, die sich jetzt auf der Seite von Freizeit und Unterhaltung entwickelt.
In der Malerei kommen letztlich gesellschaftliche Tatsachen durch. Sowohl Degas als auch Renoir geben daher Auskunft über die Tanzpraxis im XNUMX. Jahrhundert, von der Ausbildung der Opernratten durch einen großen Meister wie Jules Perot bis zur Quelle der Unterhaltung, die sie für die Bürger der damaligen Zeit darstellte, die gingen zu den Shows von Loie Fullet oder La Goulue oder praktizierten es selbst in der Moulin de la Galette.
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Bibliographie:
- 1KREMER N. und NYE E., Literatur, Malerei und Tanz im XNUMX. und XNUMX. Jahrhundert? Studientag an der Sorbonne Nouvelle University – Paris 3, 22. Mai 2017
- 2Gabriella ASARO, „Degas and the Celebration of female dance at the Opera“, Geschichte durch Bilder [online], konsultiert am 28. Juli 2021. URL: http://histoire-image.org/fr/etudes/degas-celebration-danse-feminine-opera
- 3MANET E., Brief an Fantin-Latour, 1868
- 4Gabriella ASARO, Op.Cit.
- 5MUSEE D'ORSAY, Die Tanzklasse, Edgar Degas, Arbeitsmitteilung [online], konsultiert am 27. Juli 2021. URL: https://www.musee-orsay.fr/fr/oeuvres/la-classe-de-danse-1151
- 6Gabriella ASARO, op. cit.,
- 7Gabriella ASARO, ebenda.
- 8Alexandre SUMPF, "The barrack of La Goulue and the Bullier ball", Histoire par l'image [online], eingesehen am 29. Juli 2021. URL: http://histoire-image.org/fr/etudes/baraque-goulue-bal-bullier
- 9TOULOUSE-LAUTREC MUSEUM, La Goulue, Arbeitsmitteilung [online], konsultiert am 29. Juli 2021. URL: http://www.musee-toulouse-lautrec.com/fr/la-goulue